Es ist ja immer etwas riskant, einen Film, den alle schon in den Himmel und zurück gelobt haben, endlich anschauen zu gehen. Aber die Neugierde siegt. Zum Glück. Poor Things von Yorgos Lanthimos nicht gesehen zu haben, wäre ein echter Verlust.
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Mehr als zwei Stunden taucht man in eine märchenhafte Welt voller seltsamer Mischwesen ein. Aber vor allem folgt man der anfangs kindlich trotzigen Bella in ihrer Entwicklung zur selbstbewussten, selbstbestimmten Frau. Natürlich drängen sich Anlehnungen an Dr. Frankenstein auf, aber dann auch wieder nicht. Denn nicht die eigene Hybris treibt Dr. Godwin, genannt God, Baxter an, sondern der naive, fast kindliche Glaube, etwas zu verbessern. Er, der selbst ein Opfer ist, bleibt gefangen in der Idee, dass, was man ihm angetan hat, aus Liebe geschah. Und so experimentiert er, aber er gibt eben auch bedingungslose Liebe weiter.
Und Bella, sein Geschöpf, darf ihre Neugierde ausleben, wissenschaftlich, klinisch exakt und, am wichtigsten, frei von einengenden Konventionen.
Perspektiven
Anfangs schwelgt die Geschichte in Schwarzweissbildern, mit einer Art Fischaugenoptik, bei der man den Eindruck hat, unter einem altmodischen Vergrösserungsglas zu stecken und beobachtet zu werden. Bellas Schritte in eine Emanzipation sieht man in extrem bunten Farben, eine phantastische Welt, in der je nach Grad ihrer Freiheit auch das Beobachtunsglas immer mehr wegfällt.
Sie gewinnt an Erfahrung, an Wissen, an Ausdrucksmöglichkeit.
Erfahrungen
Dass ihre direkte Art in einer viktorianischen Welt schwer missverstanden wird, ist klar. Dass sie das überhaupt nicht in ihrer Suche behindert, ist eine grosse Freude. Und das Ergebnis ist, anders als in vielen Genre-Filmen, nicht ein Wesen, das von Machtgier und Bosheit getrieben wird, sondern das ganz selbstverständlich Empathie entdeckt und diese lebt.
Im Kinosaal kam es immer wieder zu spontanem lauten Gelächter, weil auch der Humor definitiv nicht zu kurz kommt, aber auch kurze Momente des Schreckens waren deutlich an der Reaktion im Saal hörbar. Ein sehr gelungener, lustiger, spannender, intelligenter Film, mit tollen Darstellern.
Tabus wurden eher nicht gebrochen, und Heiliges auch nicht wirklich über Bord geworfen, aber ganz deutlich ist, dass thematisch Kontroversielles so gut ankam, und dass damit auch Preise zu gewinnen sind.
Das Schweizer Festivalpublikum, sowohl in Locarno als auch jetzt in Solothurn, hat ein feines Gespür für Themen, für Filme abseits des Leichten und Gefälligen. Und so ist auch der Prix du Public 2024 nicht wirklich überraschend. Die Zuschauer wähltenEchte Schweizer von Luka Popadić.
Das war auch einer der Filme, die schon am frühen Morgen des Vortags ausverkauft waren, den ich deshalb ohne Publikum in der verhältnismässigen Ruhe des Medienraums gesehen habe, wie also die Reaktionen im Kino waren, kann ich nicht sagen. Möglicherweise ist diese Wahl auch ein Zeichen, dass Schweizer Soldaten, Schweizer Bürger in Zukunft als selbstverständlicher gesehen werden, egal welche Hautfarbe, welche Religion, welche Muttersprache.
In die gleiche Richtung geht auch der Prix de Soleure an Lisa Gerig
für Die Anhörung.
Der scharfe Blick der Regisseurin auf die Abläufe der Asylbefragungen, die konstruierte Umkehr der Befragungen durch die Asylbewerber, all das kann vielleicht zu einem besseren Verständnis für die Betroffenen führen.
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Es haben sich zwei durchaus politische Filme Preise durchgesetzt, durchdachte und gut gemachte Filme, die aber nicht versuchen zu indoktrinieren, sondern sich auf die Kraft ihrer Protagonisten und ihrer Bilder verlassen.
Luka Popadić setzt zusätzlich auf Humor und bringt sich selbst als Betroffener und Filmemacher in den Film ein, während Lisa Gerig die Realität nachstellt, inszeniert, um so einen sonst hinter Türen versteckten Prozess sichtbar zu machen.
Insofern ist auch der Visioni Preis für Autour du feuvon Laura Cazador und Amanda Cortés in der Reihe politischer Dokumentarfilme einzureihen, selbst wenn er wesentlich schwächer ist, als die beiden andern Preisträger-Filme.
Handwerk
Insgesamt waren die 25 angeschauten Filme handwerklich alle gut und solide gemacht, aber wesentlich weniger originell oder überraschend als in manchem anderen Jahr. Nächstes Jahr Mitte Januar werden wieder neue Filme zur Auswahl stehen, vielleicht dann mit mehr Mut zum Aussergewöhnlichen, besonders in der Gestaltung.
Die letzten vier Filme, davon noch mal zwei, die für den Publikumspreis nominiert sind, es kann also noch Überraschungen geben.
Fahrende
Ein knapp zweistündiger Film über Jenische in Europa ist am Mittag komplett ausverkauft, das ist wirklich erstaunlich. Wenn man nach den Zuschauer-Vorlieben bei Festivals geht, sollten Kinobetreiber und Verleiher eindeutig mutiger in der Auswahl ihrer Filme werden.
Mit einem Wohnmobil folgen Andreas Müller und Simon Guy Fässler den Spuren der Jenischen, Ruäch – Eine Reise ins jenische Europa erzählt von dieser Reise. Jenische, egal wo sie leben, bleiben immer noch eher ausgegrenzt, wenn sie sich als solche zu erkennen geben. Mit den Jahren haben sie die Strategie entwickelt, ihren jenischen Hintergrund eher für sich zu behalten. Behördenwillkür, was die Zuteilung von Stellplätzen angeht, ist wohl immer noch an der Tagesordnung, ebenso die Gefahr, dass Kinder behördlich von den Familien getrennt werden. Was den Film stark macht, sind die sehr guten Bilder, was ihn etwas konfus macht, ist die Suche an sich. Was sie zu suchen scheinen, ist einerseits eine Definition, oder auch Eigendefinition von Jenischsein, andererseits scheinen sie eine Homogenität zu suchen, die nur bedingt vorhanden ist. Ab der Hälfte des Films laufen die Fragen, die Beobachtungen im Kreis. Die Fragen wiederholen sich, die Fahrten, der Alltag, es kommt einfach kein neuer Aspekt dazu, und man verläuft sich in der Zeitlichkeit des Films, was dann das Anschauen und Sitzen etwas beschwerlich macht.
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Fahrt
Tatsächlich gibt es doch einen wirklich verrückten, originellen und humorreichen Film im Programm: Partners von Claude Baechtold. Mehr zufällig als geplant, fährt der Regisseur 2002 als Beifahrer mit einem Reporter nach Afghanistan. Der Plan ist zunächst, dass er unmittelbar nach der Ankunft in Kabul zurück in die Schweiz fliegt. Zunächst und geplant, denn nichts wird so sein, wie vorhergesehen. In den ersten zwei Minuten des Films möchte man rausgehen, weil das Bild garstig aussieht, und ein Ich-Erzähler hektisch redet. In Minute drei ist man gefangen und es ist keine Rede mehr davon, das Kino zu verlassen. Aus Photos, in rasanter Frequenz aneinander geschnitten, und anfangs etwas wackeligen Video-Bildern entsteht ein sehr persönliches Tagebuch einer unglaublichen und nicht ungefährlichen Reise. Bei allem Witz, erzählt der Regisseur wie nebenbei auch die Geschichte des Konflikts in Afghanistan, erzählt von seinen eigenen Traumata, die er eines Nachts an einem reissenden Fluss endlich hinter sich lassen kann. Alles temporeich, gewitzt, ein bisschen schrullig. Und warum wird ein Film über eine Reise, die bereits 2002 stattfand, erst jetzt fertig?
Weil 20 Jahre lang die Kassetten verschollen waren. Aber vielleicht macht auch das gerade aus, dass die Geschichte so wunderbar schräg werden konnte.
Brüder
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Bisons von Pierre Monnard ist ein ganz klassisches Drama. Um den Hof im ländlichen Jura zu retten, lässt sich der sanfte, grosse und starke Bruder von seinem eher zwielichtigen Bruder zu illegale Kämpfen überreden. Aber anders als das Schwingen – der Schweizer Variante des Ringens – geht es bei diesen Kämpfen ohne Regeln und ohne sportliche Fairness zu. Die winterliche Landschaft ist malerisch dunkel, die Kampfstätten fast Schwarz in Schwarz und die unterschwelligen Streitereien unter den Brüdern kommt auch noch dazu. Drama pur. Trotz der vielen düsteren Bilder wirkt der Film zu sauber, und das Drama entwickelt sich wie erwartet. Aber gut gemacht ist der Film auf jeden Fall.
Geister
Le Médium von Emmanuel Laskar ist hingegen hell und fast fröhlich, auch wenn der Film mit einer Beerdigung beginnt. Die Mutter, ein Medium, liegt unter der Erde, ihre Kunden wenden sich Hilfe suchend an die beiden erwachsenen Kinder. Und tatsächlich, der Sohn hat ihre Fähigkeit geerbt. Und recht schnell kommt nicht nur der Geist der Mutter zu Besuch, sondern es tummeln sich überall in der Gegend Geister, die mit ausgesprochener Freude Sex miteinander haben und sich eher nicht um die Lebenden kümmern. Ähnlich schräg geht der Film weiter, mischt eine Liebesgeschichte mit hinein und veralbert selbst einen Exorzismus, den der Pfarrer nach Anleitung aus dem Internet vornimmt. Luftig und albern, aber auch ganz gut gelungen.
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Diese beiden gegensätzlichen Filme sind beide für den Publikumspreis im Rennen, wobei es schwer vorstellbar ist, dass einer dieser beiden Filme den Preis wirklich gewinnt. Aber Gewissheit gibt es erst morgen Abend.
Die 59. Solothurner Filmtage sind auf den letzten Metern.
Bisher gab es viele schöne Filme zu sehen, der grosse Aha-Effekt, das wirklich originelle Werk, war bisher leider nicht dabei. Viel solides Handwerk, einige inhaltlich ungewöhnliche Perspektiven, aber keine Filme, die anecken könnten, die zu künstlerischen Diskussionen führen könnten. Welcher Film da also wirklich heraussticht, ist schwer zu sagen. Selbst beim Publikumspreis ist der akustische Applausmesser eher auf Mitte gestellt. Es wird also spannend.
Der Berg ruft zurück
Bergfahrt von Dominique Margot zeigt die Alpen in ihrer Gesamtheit als Natur-Kultur- und Wirtschaftsraum. Quer über die Staatsgrenzen sieht man Wissenschaftler, Künstler, Spinner, Anwohner und Bergsteiger, sieht, wie die Veränderungen in den Bergen untersucht und wahrgenommen werden. Klang und Frequenzaufnahmen lassen sich visuell darstellen und man sieht das Matterhorn tanzen, das ist witzig und anrührend und wirkt ein bisschen wie Zauberei. Das Tropfen, Zwitschern und Rauschen der Berge baut ein Tonkünstler zu einer Klanginstallation, und unter den Gletschern betreut ein Glaziologe die hochkomplexen Strukturen zum Messen der Wasserflüsse. Begleitet von spezialisierten Bergkameraleuten, steigt der Zuschauer mit zwei jungen Bergsteigern auf den Eiger. Alles zusammen lässt ein wahnsinnig schönes und manchmal auch erschütterndes Portrait der Alpen entstehen, jenseits von kitschigem Glühen und – weitgehend – jenseits von Tourismus Stereotypen. Bei einigen der Aufnahmen kann man dann feststellen, wie schwindelfrei man ist, selbst über den Umweg Leinwand kann das ganz schön am Gleichgewichtssinn ziehen.
Leere
Karim Sayad zeigt viel Leere in seinem Film 2G. Ehemalige Schlepper, die Menschen durch die Wüste von Niger nach Libyen gebracht haben, sind, nachdem die Regierung gegen Schlepperei vorgeht, faktisch arbeits- und perspektivlos. Was bleibt sind Mobiltelephone, die oft keinen Empfang haben, und ihre Autos, mit denen sie weiterhin versuchen Geld zu verdienen. Der Transport von Säcken voller Gestein, in dem sich – vielleicht – ein klein wenig Gold befindet, scheint die einzige Möglichkeit zu sein, irgendwie seinen Unterhalt zu bestreiten. Während die, die nach dem Gestein und dem versteckten Gold buddeln, die gänzlich Abgehängten der Region sind. Mit stimmungsvollen Bildern der Wüste, Nahaufnahmen der Gesichter und einem extrem langsamen Erzählrhythmus kommt man den Männern in der Gegend zunehmend nahe.
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Im Kreis gehen
Les histoires d’amour de Liv S.von Anna Luif fängt gut an und wird dann doch etwas seicht. Die diversen, fehl gelaufenen Lieben der Liv S. werden anfangs in kurzen Episoden und als kleine, lustige Rückblenden erzählt. Ist Liv doch gerade mit Geschrei und Türen knallend aus dem Haus ihrer aktuellen Liebe gerauscht. Rückblicke also, und Menschen auf ihrem Weg, die ihre Gedanken hören können und diese kommentieren und sie so zur nächsten Episode bringen. Aber im Lauf des Films fällt dieses versponnene Element der Interaktion weg, es bleiben die Rückblenden und die Episoden werden länger und sind weniger lustig. Mit dem Resultat, dass ein luftig-skurriler Film, trotz kurzer 76 Minuten, irgendwie lang wird. Das Beste, das man dann noch dazu sagen kann, ist: nett.
Rückkehr
1975 drehte der französische Dokumentarfilmer Pierre-Dominique Gaisseau bei den Kuna, einem indigenen Volk der Inseln Panamas, einen Film. Ein Jahr lang lebte er dort mit seiner Familie, filmte Alltag und Rituale und versprach, ihnen den fertigen Film zu zeigen. Aber dazu kam es nie. Fast 50 Jahre später dreht Andres Peyrot Dieu est une femme. Es ist die Geschichte des verlorenen Films, von dem im Ort immer noch erzählt wird. Es ist auch ein Zeugnis davon, wie früher Filmemacher eine ihnen fremde Kultur für ihre Zwecke nutzten und nach ihren Ideen von Exotischem umdeuteten. Und dann ist es doch noch eine Geschichte der Heimkehr. Denn in Frankreich tauchte doch noch eine Kopie des ursprünglichen Films auf, der restauriert und digitalisiert werden konnte. Peyrots erzählt feinfühlig, aber auch mit viel Kraft für Visuelles, egal ob es sich um sehr farbenfrohe Momente bei den Kuna handelt, oder ob es eine Montage der Restaurierung und ersten Vorführung in Paris handelt. Er spielt mit seinen Bildern, nutzt Farben und Bewegungen und kreiert daraus zum Teil überraschende Effekte.
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Der vorletzte Tag endet nass, aber mit einem Film, der ein bisschen von der bisher vermissten Originalität zeigt.
Sonntag in Solothurn.
Das heisst vor allem: die Kinos sind voll, keine Chance mehr für einen Film noch kurzfristig einen Platz zu bekommen. Auch wenn in diesem Jahr die Festival-App brav und problemlos funktioniert, ausverkauft ist ausverkauft. Ins Kinogehen ist beliebt, mindestens bei Festivals.
Wirklich wahr
Eine interessante Gesprächsrunde, zum Thema Wirklichkeit oder Inszenierung im Dokumentarfilm bei: Fare Cinema: Extrem ehrlich oder ehrlich inszeniert? Als Beispiele dienten: Die Anhörung und Chagrin Valley, zwei Filme mit sehr gegensätzlichen Ansätzen ihre Themen zu behandeln. Die Anhörungstellt eine reale Situation komplett nach, legt das aber von Anfang an offen. Und Chagrin Valley zeigt die komplett künstlich gestaltete Welt eines Altersheims für Demenzkranke, greift aber überhaupt nicht in das Geschehen ein, sondern dreht fleissig alles, was sich ergibt. Beiden Beispielen wohnt dadurch eine gewisse Künstlichkeit inne, die aber trotzdem – oder deshalb – ein gutes Abbild der wahren Situation ergibt. Natürlich bleibt bei jedem Dokumentarfilm die Frage: Was passiert, weil oder obwohl eine Kamera, ein Team vor Ort ist? Eine Frage, die man nie wirklich wird beantworten können. Und dann kommt noch der Schnitt dazu, der gnadenlos und, für Zuschauer eher unsichtbar, die Gewichtung, die Perspektiven schärft. Es bleibt also die Verantwortung der Filmemacher, ihr „Objekt“ so wenig wie nötig zu verändern, und trotzdem visuell, erzählerisch hinreichend interessant zu bleiben. In einer Medienlandschaft, in der immer weniger Zuschauer dem glauben, was sie sehen, wird es allerdings immer wichtiger, Interventionen als solche zu kennzeichnen.
Wütend
Erwachsenwerden ist wohl immer und überall mit einer grossen Portion innerlicher Wut verbunden. In Rivière von Hugues Hariche kommen zur Wut noch emotionale Verletzungen, Druck und Drogen. Trotzdem überzeugt die Geschichte von Manon, der wilden Eishockeyspielerin, und Karine, der tablettenschluckenden Eiskunstläuferin, nicht wirklich. Zum einen ist der Film mit fast zwei Stunden definitiv zu lang, und die Konflikte innerhalb der Gruppe von Jugendlichen sind einfach zu stereotypisch gezeichnet. Der Film kommt nicht vom Fleck, und alle Wendungen sind so sehr erwartbar, dass man sich fragt, warum sie nicht schon früher gekommen sind. Ganz schön gedreht und geschnitten sind die Eishockey-Szenen, aber selbst da verschenkt der Film mögliches Potenzial.
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Gewalt
Ein erster Preis ist gestern Abend vergeben worden. In der Kategorie Visioni, also erste und zweite Langfilme, gewann Autour du feu von Laura Cazador und Amanda Cortés. Der Dokumentarfilm vereint um ein Feuer irgendwo im Wald zwei ehemalige Kämpfer des sogenannten Antikapitalistischen Widerstands der 70er Jahre und drei junge Frauen, Aktivistinnen diverser aktuell aktiver Gruppen. Während die beiden älteren Herren damals mit Waffengewalt kämpften, Banken ausraubten und Menschen entführten – und dafür ins Gefängnis kamen, sind die drei Frauen in ihrem Widerstand vergleichsweise friedfertig. Die Idee klingt besser, als die Ausführung sich dann im Ende darstellt. Oft entsteht der Eindruck, dass doch sehr aneinander vorbei einfach Geschichten erzählt werden. Nach etwa einer Stunde kommt es dann doch zu einer heftigen Auseinandersetzung über die legitime oder nicht legitime Tötung von Tyrannen. Ein Thema, über das allein man ganze Bücher verfassen könnte. Die Begründung der Jury für den Preis an diesen Film: «Es ist ein mutiger und riskanter Film, der – mit einer einfachen, aber originellen Anordnung – auf unerwartete, fesselnde Weise ein komplexes und gleichzeitig hochaktuelles Thema behandelt» ist nur bedingt nachvollziehbar. Was interessant ist, ist die veränderte Perspektive, wen man als Terroristen bezeichnet, was Gewalt ist und was legitime Selbstverteidigung.
Durchhalten
Zehn Jahre von Matthias von Gunten ist genau, was der Titel suggeriert: ein Langzeitprojekt. Über 10 Jahren begleite der Film 4 jungen Menschen auf ihrem Weg ins Arbeitsleben. Ein Bäckerlehrling, eine Medizinstudentin, eine künftige Grundschullehrerin und ein Oboist, der dirigieren studiert. Ihre Träume, ihre Wege sind teilweise von Anfang an sehr klar gezeichnet und verändern sich über die Zeit nur minimal. Besonders die beiden Frauen bleiben ihren Plänen treu. Die stärkste Veränderung durchläuft der Bäckerlehrling, bei dem sowohl physisch als auch im Lebensplan sehr viel passiert. Visuell und gestalterisch ist der Film nicht sehr originell, was eventuell daran liegt, dass der Regisseur auch selber die Kamera gemacht hat, ein klassischer Fall von Ein-Personen-Team. Aber der Film kam, aufgrund der sehr sympathischen und offenen Protagonisten, extrem gut an.
Sprachlich rund
Von Kreisverkehr zu Kreisverkehr durch die Dialektlandschaft der Deutsch-Schweiz: Omegäng von Aldo Gugolz. Wie viel Dialekt wird noch gesprochen, und wo? Wie unterscheiden sich die Dialekte, sowohl in der Zeit als auch von Ort zu Ort? Und was heisst Omegäng? Fragen über Fragen werden hier auf witzige, informative und sehr musikalische Art gestellt und – zum Teil – beantwortet. Egal ob bärtiger Bauer, Sprachwissenschaftler, Rap-Sängerin oder Dichter, alle kommen zu Wort. Der Film ist sehr rhythmisch, hat tolle Bilder und macht wirklich Spass. Dabei ist es egal, ob man den Dialekt versteht. Notfalls gibt es Untertitel, aber essenziell erzählt er sich, obwohl Sprache sein Thema ist, durch seine filmischen Komponenten, und das ist einfach sehr, sehr gut gelungen. Ja, und Omegäng? Das heisst vielleicht: „nur immer“. Aber ganz sicher oder gar einig sind sich die Befragten da nicht.
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Seit diesem Jahr wird der Publikumspreis nicht mehr mittels Stimmkarten ermittelt, sondern am einfachsten direkt in der Festival-App. Das spart viel Papier und sehr viele Plastikkugelschreiber. Bleibt zu hoffen, dass viele Leute das verstehen und fleissig abstimmen.
Bei eisiger Kälte geht es morgens zur Früh-Vorstellung. Der Saal ist selbst um 9:15 sehr gut gefüllt. Die Belohnung fürs frühe Aufstehen lässt nicht auf sich warten.
Blackbird Blackbird Blackberry von Elene Naveriani ist so weit der schönste Film im Programm. Zu schade, dass er nicht in der Auswahl zum Hauptpreis steht. Wie bei Naverianis letztem Film Wet Sand spielen auch hier Farben und Bildausschnitte eine zentrale Rolle, und begeistern und verzaubern jenseits der wunderbaren Geschichte. Ein kleines Dorf, irgendwo in Georgien, die Zeit ist daran vorbeigegangen, ein kleiner Laden für Seifen und Waschmittel, eine Frau, fast fünfzig, alleinstehend, zufrieden. Etero ist selbst dann mit sich und der Welt im Reinen, wenn sie von ihren Freundinnen übel verspottet wird. Unerwartet, und ganz schön spät im Leben, platzt die erste Liebe in ihr Leben, Gefühle, die sie so nicht kennt und über die sie auch nicht sprechen kann und mag. Jede Einstellung in diesem Film möchte man als Postkarte oder als Poster an die Wand hängen. Naveriani gestaltet ihre Szenen wie Gemälde, wählt Farben und Ausschnitte, jedes kleinste Detail gehört zur Inszenierung, kein Zufall, keine unnötige Bewegung. Die Farben der Orte spiegeln die Gefühle der Protagonistin wider. So dominieren in ihrem Zuhause warme Erdtöne wie bei niederländischen Meistern, bei den Dorffrauen sind es eher helle Töne, die nie ganz zusammenpassen. Das lesbische Paar in der nächsten Stadt wiederum ist in leuchtendes Pastell gehüllt wird, passend zur liebevollen Atmosphäre, die dort herrscht und mit der Etero dort empfangen wird. Der Film lässt offen, ob man am Anfang des Films bereits das Ende vorhersieht, oder ob das nur eine mögliche Vision von Etero ist; man kann also wahlweise traurig oder eher beschwingt den Saal verlassen. Beglückt ist man auf jeden Fall.
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Klamauk
Wer behauptet, dass Schweizer keinen Humor haben, oder nicht über sich lachen können, sollte Bon Schuur Ticinovon Peter Luisi sehen. Der Film war im vorgegangen Jahr einer der erfolgreichsten in der Schweiz. Dabei veralbert er einige der „heiligen Kühe“ der Schweiz: die direkte Demokratie und die Viersprachigkeit. Eine Volksabstimmung bringt scheinbar den Willen zutage, dass in der Schweiz nur noch eine Sprache, und zwar Französisch, gesprochen werden soll. Besonders im Tessin wehrt sich die Bevölkerung dagegen, es formiert sich Widerstand, die Grenzen zum Rest der Schweiz werden geschlossen, ein Bürgerkrieg droht. Aber ein Polizist aus der Deutschschweiz, sein merkwürdiger welscher Kollege und eine Tessiner Wirtin decken in letzter Minuten die Geschichte auf. Es gab viel Gelächter und Szenenapplaus im restlos vollen Saal. Allerdings ist das ein Film, der es wohl eher nicht über die nahen Grenzen schaffen wird, zu viele Sprachen, zu viele Interna. Aber sehr lustig.
Heimat? – Heimaten?
Gibt es einen Plural zu Heimat, fragt der Regisseur am Anfang einen seiner Protagonisten. In Echte Schweizer versucht Luka Popadić diese und andere Fragen zu klären. Selbst stellt er sich im Film vor als: serbischer Regisseur und Schweizer Hauptmann. Und damit ist das Thema etabliert: Schweizer, deren Eltern als Gastarbeiter oder als Flüchtlinge in die Schweiz kamen, die in der Schweizer Armee nicht nur die Rekrutenschule gemacht haben, sondern auch Offiziere sind. Sie haben serbischen, tamilischen, tunesischen familiären Hintergrund, aber sie sind eben auch Schweizer, mit allem, was für sie dazu gehört, und das ist auch die Landesverteidigung. Der Film zeigt sie zu Hause und in ihrer Eigenschaft als Offiziere, lässt sie über die Ambivalenz ihrer Herkunft und ihrer Heimat sinnieren. Und darüber, dass die Schweiz wohl trotzdem noch nicht so weit ist, etwa einen muslimischen General oder Bundesrat zu bestellen.
Sie sind echte Schweizer, auch wenn man ihnen das ohne Uniform manchmal abspricht. Es wäre spannend gewesen, auch bei diesem „Heimatfilm“ die Reaktion des Publikums mitzubekommen, aber der Saal war restlos voll, daher blieb nur das Sichten am Computer, fern jeder Reaktion.
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Leichtigkeit
Zum Abschluss des Tages, noch ein Film mit einer Frau, die mit sich im Reinen ist, und sich gegen ihre Umgebung behauptet. Le vent qui siffle dans les gruesvon Jeanne Waltz ist die Geschichte von zwei Familien und der scheinbaren Unvereinbarkeit ihrer Lebenswelten. Eine Liebesgeschichte, der soziale und ethnische Unterschiede im Weg zu stehen scheinen. Aber hauptsächlich ist es die Geschichte von Milenie, die ein bisschen verrückt, ein bisschen wortkarg, ein wenig anders ist, aber die mit ungebremster Lebensfreude alle Hürden und alle Gemeinheiten seitens ihrer Familie einfach überspringt, als wäre nichts im Weg gewesen. Sie ist dabei entwaffnend ehrlich, selbstlos und arglos. Der Film, macht trotz einiger böser Wendungen die Leichtigkeit und Sorglosigkeit der jungen Frau spürbar, setzt sie in Bilder um und ist einfach schön.
Das Interesse an Filmen, egal welcher Art, ist in Solothurn ungebrochen. Bereits eine Minute nachdem für den Folgetag reserviert werden kann, ist ein Dokumentarfilm am Nachmittag ausreserviert. Das heisst, da die Reservierung für Akkreditierte erst eine Minute lief, gekaufte Plätze. Das ist sehr schön für die Filmwirtschaft und das Festival, aber sehr ärgerlich für mich. Es sind überhaupt die Kinos voll, egal zu welcher Uhrzeit, egal welche Art Film gezeigt wird. Filme im Kino schauen ist immer noch nicht tot, egal wie oft das propagiert wird, egal wie viel Streamingdienste es gibt!
Loslassen
Laissez-moi von Maxime Rappaz ist ein sanfter, etwas trauriger Film übers Loslassen. Claudine, Mutter eines erwachsenen, behinderten Sohns, gönnt sich ihre Auszeit von Arbeit und Pflege, indem sie einmal wöchentlich mit fremden Männern in einem abgelegenen Hotel schläft. Bis eines Tages ein Mann nicht fremd bleiben will. Ihre Welt, die eigentlich aus einer ungesunden Abhängigkeit zwischen ihr und ihrem Sohn besteht, gerät durcheinander. Sie wird sich entscheiden müssen, ihm die Freiheit zu geben, die auch sie selber so sehr braucht. Der Film besticht hauptsächlich wegen seiner Darstellerin, Jeanne Balibar, der man das Zerbrochene, Suchende in jeder Szenen schmerzlich ansieht.
Kleine Fische
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Politik, Mafia und Kriegsverbrechen prallen in Silence Of Sirens von Gazmend Nela aufeinander. Zwei Streifenpolizisten, denen kleinere Bestechung nicht fremd ist, halten bei einer Verkehrskontrolle einen Mann an, der nicht nur betrunken scheint, sondern auch noch eine Tasche voller Bargeld bei sich führt. Kurzerhand verhaften sie ihn. Und setzen damit eine Kette von Ereignissen in Gang, die sie fast ihr Leben kosten wird. Eine Art Krimi vor dem oft wirren Hintergrund von Kriegsverbrechen, Korruption und Machtmissbrauch. Auf der Strecke bleiben, nicht nur im Kosovo, die kleinen Fische, während die anderen friedlich weiter in ihren Villen leben und mit dicken Autos rumfahren. Düstere Bilder, eine trostlose Landschaft, und kleine Polizisten, die irgendwie versuchen am Ende des Tages genug Geld nach Hause zu bringen.
Chaos
Aus dem Film Swissair Flug 100 – Geiseldrama in der Wüste von Adrian Winkler kommt man überwältigt raus. Überwältigt von der akribischen Recherche, der Masse an Material, das zusammengetragen wurde, aber auch von den Ereignissen, die der Film auf die Leinwand bringt. 1970 entführt die Palästinensische Befreiungsfront eine Swissair-Maschine. Bei der Landung in der jordanischen Würste befindet sich dort bereits eine weitere entführte Maschine, und eine dritte wird noch folgen. Die Ereignisse werden aus Nachrichtenmaterial der Zeit, aber auch aus Swissair-Bildern und neuen Aufnahmen am Anfang so montiert, dass man sich mitten in einem Actionfilm wähnt. Allerdings sind von Anfang an immer wieder Zeitzeugen zu hören und zu sehen: Crewmitglieder, Passagiere, Verhandler des Internationalen Roten Kreuzes. Die Spannung bleibt dennoch aufrecht, verführt aber nicht dazu, die Ereignisse für Spielerei zu halten. Atemlos macht einen auch das Chaos, das bei den Verhandlungen sowohl in Jordanien als auch in der Schweiz, den USA, Israel und Grossbritanien herrscht. Politisches Kalkül, das nicht immer nachvollziehbar ist, wechselnde Positionen besonders von Seiten des jordanischen Königs und dazwischen Geiseln, die nicht wissen, wie es mit ihnen weitergehen wird, und Terroristen, denen die Situation über den Kopf zu wachsen scheint. Man verlässt das Kino und weiss, auch 50 Jahre später ist die politische Lage im Nahen Osten nicht besser geworden.
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Echt nachgestellt
Den bisher längsten, lautesten und euphorischsten Applaus gibt es am Abend für: Die Anhörung von Lisa Gerig. Dabei ist der Dokumentarfilm weder leicht noch witzig, noch behandelt er ein „Wohlfühlthema“, auch Tiere kommen keine vor. Stattdessen geht es um 4 Asylbewerber aus verschiedenen Ländern, die ihre Asylanhörungen für den Film nachstellen. Mit dabei echte Mitarbeiter des Staatssekretriat für Migration, echte Dolmetscher, Schriftführer und Beisitzer. Dieses Nachstellen wird von Anfang an klar gezeigt, es wird der Raum hergerichtet, während einige der Protagonisten nebenbei erzählen, was wo üblicherweise steht, oder wie sich das anfühlt, so von mehreren Beamten angestarrt und ausgefragt zu werden. Die Szenen wechseln von „Gruppe“ zu „Gruppe“, die Geschichten gleichen sich nicht, aber die Fragen, oder eher die Art der Fragen, oder das manchmal quälend langsame der Übersetzungen, Nachfragen, Insistieren, Unterbrechen. Eine Situation, in der man nicht stecken möchte. In der Mitte des Films, eine Phase der Ruhe, das Team, die Protagonisten vereint in der gemeinsamen Mittagspause, die Gespräche fast entspannt. Gegen Ende dreht die Regisseurin die Geschichte um, lässt die Asylbewerber in der gleichen Art Fragen an die Beamten stellen. Fragen zu ihrer Motivation, diesen Job zu machen, Fragen zu ihrem Erinnerungsvermögen, Fragen, die ihnen zum Teil unangenehm sind. Daraus resultieren kurze Momente grosser Heiterkeit, auch wenn der Ernst der Situation ständig im Raum bleibt. Die Mischung aus Künstlichem, also Nachgestelltem, und Echtem, also den Fluchtgründen, ergibt einen anstrengenden, aber auch beeindruckenden Film. Der Schlussapplaus gilt nicht nur dem Film und der Regisseurin, sondern fast noch mehr den anwesenden Protagonisten.
Am Sonntag gibt es zum Thema Wirklichkeit im Dokumentarfilm eine Diskussionsrunde in der Programmschiene Fare Cinema.
Statt eines Films zum Festivalstart, eine Diskussionsrunde der Reihe Fare Cinema zum Thema: Widerstand auf – und neben der Leinwand. Wie gehen Filme oder eher Filmschaffende mit dem Thema Widerstand und der darin wohnenden Gewalt um? Wie ändert sich die Sichtweise auf widerständige Personen oder Gruppen? Was zeigt man, was lässt man weg? Und inwieweit beeinflussen ganz aktuelle Ereignisse die Arbeit an einem – fast fertigen– Film? Am Beispiel der Filme Autour du feu (Laura Cazador), La scomparsa di Bruno Breguet (Kathrin Plüss, Cutterin),Swissair Flug 100 – Geiseldrama in der Wüste (Laurin Merz) zeigt sich, wie unterschiedlich manchmal identisches Archivmaterial durch den Schnitt wirkt. Man sieht aber auch, wie sich der Begriff Terrorist mit der Zeit verändert. Eine spannende Diskussion, die auch zeigt, wie politisch Film sein kann und dass trotzdem der hehre Wunsch, Filme mögen die Massen belehren, fallengelassen werden muss. Ersetzt wird dieser Wunsch durch die Hoffnung, bei Zuschauern wenigstens ein Nachdenken anzustossen.
Strom
Electric Fields von Lisa Gertsch ist ein schräger Episoden-Film. Und auch wenn er sich in seiner Gesamtheit nicht so recht erschliesst, ist er ein schönes Stück Kino-Arbeit. Ein Ensemble-Film, bei dem das Ensemble beim Drehen nie wusste, wohin der Film gehen wird. Anfangs sind die Episoden sehr kurz, sehr irre, und Elektrizität spielt eine absurde Hauptrolle. Mit jeder weiteren Episode ist die Spannung weniger eine elektrische, als ein Spannungsfeld, mal zwischen Mensch und Natur, mal zwischen Menschen, mal in Gedanken, aber immer geschieht in diesen Spannungsfeldern etwas Unerwartetes. Alle Geschichten eint das reduzierte, in schwarzweiss gedrehte 4:3 Bild und die Absurdität der Situationen. Wenn man sich dem hingibt, hat man ein witziges, unkonventionelles Kinoerlebnis.
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Filmgeschichte
Die Reihe Histoires ist den Filmen der Praesens Film gewidmet, die in diesem Jahr ihren 100. Geburtstag feiert, und somit die älteste noch aktive Filmproduktion der Schweiz ist. Zum Auftakt wird die restaurierte Fassung von Frauennot – Frauenglück von Eduard Tissé aus dem Jahr 1929 gezeigt. Aufgrund des Abtreibungsthemas wurde der Film damals gekürzt, verändert und sogar komplett verboten. Leider fängt der Film extrem verspätet an, einerseits, weil immer mehr Zuschauer in den recht kleinen Saal wollen, andererseits, weil Frédéric Maire einen extrem interessanten, aber ausufernden Vortrag über die 100 Jahre der Praesens hält. Bemerkenswert auch, dass das Publikum nicht nur überwiegend weiblich ist, sondern grösstenteils in einem Alter, dass vermuten lässt, dass die Zuschauerinnen in den 70er Jahren aktives Interesse an der Frauenbewegung, und somit am Thema legaler Abtreibungen, hatten. Der Film selbst mischt Wissenschaftsfilm, mit einem Hang zum Detail, mit dramatisierten Spielaufnahmen in Eisensteinscher Bild- und Schnittästhetik. Denn auch wenn Tissé für den Film als Regisseur und Kameramann zeichnet, zog Eisenstein zumindest teilweise im Hintergrund die Fäden; und Tissé war Eisensteins Kameramann. Spannend an dem Film ist seine klare Sicht auf die sozialen, gesellschaftlichen und medizinischen Gründe, die zu ungewollten Schwangerschaften führten (und führen), die klare Positionierung für medizinisch begleitete Abbrüche, satt der damals weit verbreiteten Hinterhof-Abtreibungen. Ob es im Film am Ende doch noch eine Geburt zu feiern gibt, weiss ich nicht, um den nächsten Film zu sehen, musste ich kurz vor Schluss aus dem Saal huschen.
Politische Vertuschung oder Kriminalfall
Operation Silence – Die Affäre Flükiger von Werner Schweizer untersucht den Tod des Offizieranwärters Flükiger aus dem Fahr 1977. Im selben Jahr, ja fast zur gleichen Zeit, als der Soldat von einem Orientierungslauf nicht zurückkam, wurde in Deutschland Hans Martin Schleyer entführt, gingen im Berner Jura Separatisten genannte Aktivisten für einen von Bern unabhängigen Kanton Jura auf die Strasse, gab es auch an der Schweizer Grenze Festnahmen von RAF Terroristen. Vor diesem aufgeheizten Hintergrund gestaltete sich damals, wie heute, die Suche nach der Wahrheit um das Verschwinden im Grenzgebiet zwischen Jura und Frankreich mehr als schwierig. Alle Seiten in der Politik, Staatsanwaltschaft, Militär, aber auch Aktivisten, nutzten Schnipsel an Information als Beiweise für ihre Sache. Was auf der Strecke bleibt, ist die Aufklärung des Falls, der sowohl politisch motiviert sein könnte, als auch eine reine Zufallstat von internationalen Schmuggelbanden, denen der junge Mann versehentlich in den Weg gelaufen ist. Werner Schweizer fährt sehr genau die Orte ab, spricht mit diversen Zeitzeugen, taucht in Polizeiakten und Archive ein. Er bringt ein spielerisches Element hinein, in dem er die Aussagen der drei Schwestern des Soldaten von einer Schauspielerin, in Form von gestellten situativen Interviews, sprechen lässt. Dadurch bekommt der Film eine gewisse Leichtigkeit, was bei der chaotischen Informationslage sehr guttut.
Während es am Morgen dauerhaft und scheusslich geregnet hat, fällt am frühen Abend plötzlich Schnee, genauso nass, aber hübscher anzusehen.
Veränderungen
Der Kohlebergbau geht, die Kumpel bleiben, aber was wird aus ihnen? Mit genauem Blick, Geduld, Zeit und Können zeigen Christian Johannes Koch und Jonas Matauschek in Wir waren Kumpeldie verschiedenen Phasen im Rückbau einer Kohlemine. Anfangs in phantastischen Bildern über- und untertage, später den Abbau, den letzten Arbeitstag, und wie fünf Bergleute mit der radikalen Veränderung ihres Alltags umgehen. Das Portrait ist gleichermassen witzig wie berührend und öffnet den Zuschauerblick auf eine eher wenig bekannte Welt. Wir waren Kumpel kommt ohne Kommentar und ohne redende Köpfe aus, und trotzdem kommen die Protagonisten zu Wort. Ein sehr gelungener Dokumentarfilm, der lange und frenetisch beklatscht wurde.
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Dieser erste Festivaltag gibt einen Eindruck auf die vielfältigen Möglichkeiten, die Filme haben, Wandel zu beschreiben, herbeizuführen und zu erfahren. Da passt auch der Schnee sehr schön, der das Bild der Stadt verwandelt.
Sieben Tage lang ist Solothurn wieder der Nabel der Schweizer Filmwelt. Da kann es dann auch egal sein, dass der Schnee hier in Form von hässlichem Regen auftritt, künstlerische Freiheit sozusagen. Eine Woche wird es in den Solothurner Spielstätten zu sehen und zu bewerten geben, was im letzten Jahr an Schweizer Filmen entstanden ist – und es in durch die Auswahl ins Programm geschafft hat.
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Launig und doch auch kritisch zeigt sich der künstlerische Leiter Niccolò Castelli. Er versteht (Film)Kunst als Reflexionsfläche aktueller Diskurse, neuer Strömungen, kontroversieller Sichtweisen, die auch den zeitlichen Wandel dokumentieren. Die Aufreger von früher sind heute möglicherweise Kanon. Was heute vielleicht nicht verstanden wird, kann morgen Alltag sein, oder vergessen worden sein. Was heilig ist oder ein Tabu, das weiss man oft erst später, wenn das Fremde nicht mehr neu ist, sondern selbstverständlich geworden ist. «Solange es Tabus gibt, wird die Aufgabe des Kinos nicht erschöpft sein. Deshalb ist es nur richtig, dass die Öffentlichkeit, dass Sie und wir alle uns daran beteiligen, dass mutige Filme entstehen und dass sie gezeigt werden können».
Mutterschaft ablehnen
Und so eröffnet das Festival mit einem Film, der ein eher wenig öffentlich besprochenes, eher tabuisiertes Thema behandelt.
In Les paradis de Diane von Carmen Jaquier und Jan Gassmann lehnt eine junge Mutter unmittelbar nach der Geburt ihre Mutterschaft ab.
Mit dem Akt des Gebärens scheint sie sich auch von dieser Rolle abgenabelt zu haben. Mit einer fast schwebenden, zart bewegten und oft sehr nahen Kamera folgt man dem harten Gefühlschaos, das die junge Frau dazu bringt, in der Nacht nach der Geburt aus dem Krankenhaus abzuhauen. Gehetzt, wie ein verletztes Tier, flüchtet sie, um im Morgengrauen völlig fertig im trostlosen Busbahnhof von Benidorm zu landen. Der Film zerredet nichts, erklärt nichts, liefert weder Erklärungen noch Hintergründe. Er folgt einfach der Protagonistin, so wie diese einfach Schritt für Schritt weiterläuft. Eine Frau, die nicht weiss, ob sie ein Monster ist, weil sie davon ausgehen muss, dass man sie so sieht. Und so folgen schlafwandlerisch-rauschhafte Szenen auf Situationen voller stiller Zartheit. Und immer findet die Kamera die genau passende Nähe oder Distanz, setzt auf wilde Lichtreflexe und Spiegelungen oder auf sanft bewegte Begleitung der Bewegungen. Als Zuschauer fürchtet man sich gleichermassen mit und für die junge Frau, und das ist wohl das Beste, was ein Film bewirken kann. Dass das hier so fabelhaft zusammenspielt, ist der Kamera von Thomas Szczepanski und dem Spiel von Dorothée de Koon zu danken. Der Film ist auch zur Berlinale eingeladen, die Chancen, dass er europaweit in die Kinos kommt, ist also gross.
So weit also ein starker Einstieg in die 59. Solothurner Filmtage.
18Uhr, an einem Donnerstag, und das Kino-Foyer ist gesteckt voll. Statt Einkaufswahnsinn und Geschenke-Umtausch wollen die Leute Wim Wenders aktuellen Film Perfect Dayssehen.
Alles im Fluss
Der Film begeistert ab den ersten Minuten. Anfangs hauptsächlich durch die fabelhaft schönen Bilder im engen 4:3 Format, die perfekte Bildausschnitte liefern, mal an Hopper Gemälde, mal an abstrakte kubistische Bilder erinnern. Dazu kommt der flüssige Schnitt, der so gut wie immer ein Bewegungsschnitt ist, der mal die Aktion flüssig weiterführt, mal eine kleine Ellipse fliessend in Szene setzt. Ein wunderbarer Einstieg, der einen sofort für die Geschichte einnimmt, noch bevor die gesamte Strahlkraft der Figur Hirayama dazukommt.
Lächeln und schweigen
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Hirayama, ein Mann vorgerückten Alters, der die Welt, sein Leben, seine Umgebung lächelnd und schweigend hinnimmt. Aufstehen, rasieren, zur Arbeit fahren, arbeiten, in seinem Fall: öffentliche Toiletten putzen, alles hat seinen festgelegten Rhythmus, wird mit Präzision erledigt, wiederholt sich, ohne zu langweilen. Ein Sonderling in einer hektischen Welt, die man aber als solche gar nicht wahrnimmt, man weiss um sie, hat man sie doch gerade erst verlassen, um in den dunklen Kinosaal zu gehen. Auf der Leinwand ist sie weg. Lächeln, schweigen, Musik.
Musik als kommentierendes Element
Die Musik spielt, wie in vielen Wenders Filmen, eine grosse Rolle.
Wer die – ikonischen– Stücke der 60er – 80er Jahre kennt, hat einen kleinen Vorsprung, ahnt die Stimmung schon mit den ersten Takten eines neuen Stückes. Nicht nur Lou Reeds Perfect Day unterstreicht und kommentiert harmonisch die Bilder, auch Patti Smith Redondo Beach, das ein ganz junges Mädchen verzaubert, erzählt so eine ganze Geschichte jenseits der Handlung.
Schweigsam, nicht sprachlos
Kurze Momente brechen das schweigsame Leben des Protagonisten, lassen einen Hintergrund erahnen, der aber nie aufgelöst wird. Wenn er spricht, dann ist es auch wichtig, dient aber gleichzeitig der Grundhaltung, mit der er durch sein Leben geht: Lächelnd das heute akzeptieren, schweigend den Tag geniessen, der perfekt ist, wie er ist.
Wer einen Film sehen möchte, der alles bis zu Ende erklärt, ist hier verkehrt. Wer sich an der Komposition von perfekten Bildern, fliessendem Schnitt und grosser Darstellerkunst erfreut, dem ist Perfect Days dringend ans Herz gelegt, trotz oder vielleicht auch gerade wegen der Länge von 123 Minuten.
Und für alle, die Wenders Filme kennen: der epische Monolog gegen Ende findet – erfreulicherweise – nicht statt!
Preiswürdig
Perfect Days geht in der Kategorie Bester ausländischer Film für Japan bei den Oscars ins Rennen. Auf jeden Fall preiswürdig sind Schnitt (Toni Froschhammer), Kamera (Franz Lustig) und Hauptdarsteller (Kōji Yakusho).
